Dos fragmentos de Rafael en Dulwich

Una sala sin unidad de lugar ni de época

Nada relaciona a primera vista un panel de Rafael pintado en Perugia hacia 1502 y un lienzo de Tiépolo pintado en Venecia dos siglos después: ni el taller, ni la generación, ni siquiera el formato. Esta sala asume esa distancia en lugar de disimularla, reuniendo ejemplos de pintura italiana desde comienzos del siglo XVI hasta comienzos del XVIII, desde el Alto Renacimiento florentino y romano hasta el barroco tardío veneciano.

El hilo conductor no es, por tanto, estilístico: es el de una colección privada inglesa de comienzos del siglo XIX, capaz de reunir piezas de todas las escuelas italianas sin limitarse a un solo periodo, el tipo de selección que ningún museo haría hoy de la misma manera.

1. Dos fragmentos de un retablo disperso

San Francisco de Asís y San Antonio de Padua, dos pequeños paneles al óleo de 25,6 por 16,4 centímetros cada uno, los pinta Rafael hacia 1502, cuando trabaja todavía en Perugia dentro de la órbita del Perugino. Formaban en origen los dos extremos de la predela del retablo Colonna, un gran encargo pintado para las clarisas de la iglesia de San Antonio de Padua en Perugia, uno de los pocos conjuntos de juventud de Rafael cuyo destino original se conoce con precisión.

El retablo fue desmembrado, como tantos otros, después de salir de la iglesia hacia el mercado del arte: el panel central, junto con un panel de la predela, está hoy en el Metropolitan Museum de Nueva York; otro panel de la predela está en la National Gallery de Londres; un tercero, en el Isabella Stewart Gardner Museum de Boston. Los dos pequeños santos de Dulwich son los últimos fragmentos dispersos de este conjunto: no son copias, no son obras de taller, sino fragmentos auténticos de un conjunto hoy repartido entre dos continentes. Acérquese: a esta escala, cada rostro cabe en la palma de una mano.

2. Tiépolo y Ricci, la Venecia del siglo XVIII

Dos siglos separan estos fragmentos de juventud de Rafael de José recibiendo el anillo del Faraón, pintado por Giambattista Tiépolo hacia 1733-1735: el tema, tomado del Génesis, muestra al Faraón otorgando a José la autoridad sobre Egipto, y el trompetista más alejado del espectador se considera un autorretrato del pintor. Atribuido durante mucho tiempo a su hijo Domenico, el cuadro ha sido objeto desde 2016 de una importante restauración que le devolvió su brillo original.

La Resurrección, colgada en la misma sala, no es de Tiépolo sino de Sebastiano Ricci, pintor veneciano de una generación anterior: fechada al final de su estancia londinense, hacia 1714-1716, es uno de los dos modelli (bocetos al óleo) conocidos para el fresco del ábside de la capilla del Royal Hospital de Chelsea, un testimonio poco frecuente del trabajo preparatorio de un pintor veneciano para un gran encargo inglés, con préstamos de Veronés para los ángeles que levantan la losa del sepulcro y de los Carracci para los soldados dormidos.

Precisión sobre el montaje: según la web de la galería, José recibiendo el anillo del Faraón se presenta en la sala 12, mientras que los Rafael, el Carlo Dolci y el Guido Reni de este recorrido están en la sala 2.

3. Guercino y Carlo Dolci, dos Italias del siglo XVII

Guercino, pintor boloñés activo en la primera mitad del siglo XVII, es conocido por un claroscuro dramático heredado del caravaggismo, que aplica tanto a escenas religiosas como a temas de la Antigüedad. Santa Cecilia, pintada en 1649, lo muestra en la cima de esta manera: la santa patrona de los músicos toca el órgano mientras un ángel sostiene un libro de música a su lado, en un claroscuro que modela el rostro y las manos con una intensidad dramática típica de la pintura boloñesa de su generación, en la línea de los Carracci.

Carlo Dolci, pintor florentino de la misma época, adopta la postura contraria a esta violencia pictórica. Santa Catalina de Siena, pintada hacia 1665-1670, muestra a la santa vestida con el hábito de terciaria dominica, con una corona de espinas en la cabeza —alusión a una visión en la que Cristo le proponía elegir entre una corona de oro, garantía de riqueza terrenal, y una corona de espinas, garantía de gloria celestial. Su libro descansa sobre una calavera, memento mori clásico, mientras una única lágrima, casi transparente, resbala por su mejilla: una piedad suave y tersa, pintada con una minuciosidad casi fotográfica, muy alejada de los contrastes de Guercino. Entre estos dos temperamentos italianos del siglo XVII, la sala muestra dos maneras opuestas de pintar lo sagrado en la misma época: una a través del choque de la luz, la otra a través de la suavidad del acabado.

4. Guido Reni, un cuadro largamente degradado

El San Sebastián de Guido Reni, pintado entre 1620 y 1639 aproximadamente, ha tenido una historia de atribución movida: catalogado como obra de taller en 1880, después rebajado a simple copia en 1980, solo más recientemente se ha reconocido como una de las dos versiones autógrafas pintadas por el propio Reni —la otra se encuentra hoy en la Auckland Art Gallery, en Nueva Zelanda, en un formato más pequeño y con colores ligeramente distintos. El cuadro, que quedó inacabado en vida del pintor, figuraba sin embargo entre las piezas más célebres de la colección Dulwich en el siglo XIX.

El contraste con los dos cuadros vecinos es claro: donde Guercino y Dolci buscan el fervor religioso, Reni pinta un martirio de cuerpo casi clásico, más cercano a la Antigüedad que al patetismo barroco —otra variación, en esta misma sala, sobre lo que puede ser la pintura sagrada italiana dentro de un mismo siglo.

5. Sala 2 — el cuadro más antiguo de la colección, un fragmento de Veronés, Salvator Rosa y un modello de Tiépolo

Un joven (hacia 1500, óleo sobre tabla, 38,7 × 40,5 cm) es el cuadro más antiguo de la colección de Dulwich. El modelo, con una leve sonrisa en los labios, mira a lo lejos; su identidad es desconocida, pero cada mechón de pelo ondulado brilla como bajo un sol italiano que llega desde la izquierda, fuera de campo. Probablemente pintado en Florencia, con un realismo minucioso inspirado en las obras nórdicas traídas por los mercaderes, el retrato fue recortado en algún momento de su historia. Un sello de aduana en el reverso indica que se exportó desde Florencia; los fundadores de la galería lo compraron como un Leonardo da Vinci, aunque hoy se atribuye a Piero di Cosimo (1462-1522).

San Jerónimo con Girolamo Petrobelli, de Veronés (hacia 1563, óleo sobre lienzo, 224,5 × 120 cm), es solo un fragmento del gran retablo Petrobelli, encargado por Antonio y Girolamo Petrobelli para su capilla funeraria en la iglesia de San Francesco de Lendinara. La iglesia fue demolida a finales del siglo XVIII; en 1789 el retablo estaba en manos de un marchante veneciano que lo dividió y lo vendió por partes: este fragmento, a los fundadores de la galería, Noel Desenfans y Francis Bourgeois. Los bordes se habían repintado para borrar los restos de san Miguel aplastando al diablo, y solo se descubrieron hacia 1950. La parte inferior izquierda del retablo, con san Antonio Abad y Antonio Petrobelli, está hoy en la National Gallery of Scotland, en Edimburgo; la superior, con el Cristo muerto, en la Galería Nacional de Canadá, en Ottawa.

Soldados jugando a los dados, de Salvator Rosa (probablemente 1656-1658, óleo sobre lienzo, 77,1 × 61,6 cm, firmado «S Rosa»), procede de un pintor que trabajó en Roma al mismo tiempo que Poussin y Claudio, pero rechazó la belleza ideal que ellos perseguían: su naturaleza es árida y hostil, poblada de brujas, soldados y bandoleros. La escena nocturna, bajo un cielo amenazador, está dominada por un soldado de pie, fuertemente iluminado, que repite invertida una figura de sus aguafuertes de las «Figurine». Muy popular en la Inglaterra del siglo XVIII, el «salvaje Rosa» fue un héroe para los románticos; Ruskin consideraba su arte infectado por el «aliento de dragón» del mal.

Diana, Apolo y las ninfas, de Giambattista Tiépolo (hacia 1750, óleo sobre lienzo, 66,3 × 33 cm), es un modello: el boceto pintado de un fresco de techo de la villa Cornaro, en Merlengo, en el Véneto, que el comitente, un miembro de la familia Cornaro, habría visto antes de empezar la obra. Diana está rodeada de ciervos y perros de caza, con una pequeña luna creciente sobre la cabeza; Apolo sostiene una lira.

Cuánto tiempo

Los dos pequeños Rafael merecen que te detengas en ellos pese a su tamaño modesto; el resto de la sala se recorre más rápido, comparando temperamentos más que buscando un hilo cronológico estricto.

San Francisco de Asís (Rafael) — 7 minutos.
San Antonio de Padua (Rafael) — 7 minutos.
José recibiendo el anillo del Faraón (Tiépolo, sala 12) — 8 minutos.
La Resurrección (Ricci) — 7 minutos.
Santa Cecilia (Guercino) — 8 minutos.
Santa Catalina de Siena (Carlo Dolci) — 8 minutos.
San Sebastián (Guido Reni) — 8 minutos.
Un joven (Piero di Cosimo) — 6 minutos.
San Jerónimo con Girolamo Petrobelli (Veronés) — 6 minutos.
Soldados jugando a los dados (Salvator Rosa) — 5 minutos.
Diana, Apolo y las ninfas (Tiépolo, modello) — 5 minutos.

Fuentes y verificación

Datos verificados en el sitio de Dulwich Picture Gallery, el Metropolitan Museum of Art y fuentes cruzadas (Art UK, Wikipedia FR/EN, Wikimedia Commons) para atribuciones, fechas y dispersión de obras.

La presentación de las obras y la apertura de las salas pueden cambiar. Compruébalo en la web de la Dulwich Picture Gallery el día de tu visita antes de seguir el recorrido.

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Dos fragmentos de Rafael, y dos siglos de pintura italiana