El ala italiana del Museo Jacquemart-André

Por qué un ala italiana, en pleno París del Segundo Imperio

El palacete del bulevar Haussmann se construyó entre 1869 y 1875 por el arquitecto Henri Parent, por encargo de Édouard André (1833-1894), heredero de una de las grandes fortunas del Segundo Imperio. En un principio, nada allí anunciaba un museo italiano: la vivienda estaba pensada para las recepciones y la vida mundana. El giro llega con el matrimonio de Édouard André con la retratista Nélie Jacquemart, el 29 de junio de 1881. Nélie arrastra a su marido a Italia, y su pasión común por el Renacimiento florentino y veneciano los lleva a volver allí casi cada año.

La pareja no compraba al azar de sus viajes: a lo largo de casi treinta años, tejió lazos estrechos con destacados marchantes italianos, entre ellos el anticuario florentino Stefano Bardini y el veneciano Michelangelo Guggenheim, y se rodeó de expertos reconocidos como Wilhelm von Bode o Georges Lafenestre. Esta red les permitió reunir cerca de 2500 obras procedentes de los grandes centros artísticos italianos —pinturas, esculturas, objetos de arte—, buena parte de las cuales encontraron su lugar en las salas acondicionadas para ello. El cuadro de Uccello de la sala florentina ilustra bien la mecánica de compra de la época: localizado por Nélie Jacquemart en el palacio de un marchante florentino, no podía exportarse directamente de Italia; ella terminó adquiriéndolo en una subasta en Londres, en 1899.

Édouard André muere en 1894, antes de que el conjunto italiano estuviera plenamente organizado. Nélie continúa sola durante dieciocho años: termina de disponer las salas italianas —la galería de esculturas se constituye después de la muerte de su marido— a la vez que amplía la colección a otros ámbitos. A su muerte, el 15 de mayo de 1912, lega la totalidad de la colección y del palacete al Institut de France. El museo abre al público en 1913.

1. Sala florentina — San Jorge y el dragón, Paolo Uccello

Pintado hacia 1430-1435, este panel de madera (131 x 103 cm) está considerado la pieza más rara de la colección italiana del museo. Representa a san Jorge atravesando con su lanza al dragón que estaba a punto de devorar a la hija del rey —un tema tradicional, tratado aquí con una mirada ya vuelta hacia la modernidad.

El detalle que hay que observar es la construcción del paisaje: una gran gruta divide la composición en dos, y cada mitad organiza su propio punto de fuga y su propio fondo. Uccello, obsesionado con la perspectiva, superpone así una visión todavía arcaica (el dragón estilizado como un blasón gótico, la princesa tratada como un medallón) y una construcción espacial resueltamente nueva para su época.

2. Sala florentina — Dos Vírgenes con el Niño, Botticelli y el Perugino

La sala florentina reúne, una junto a otra, dos Vírgenes con el Niño salidas del mismo taller florentino, el de Andrea del Verrocchio: una, fechada hacia 1470, largo tiempo atribuida al propio Verrocchio antes de ser reconocida como una obra de juventud de Sandro Botticelli (óleo sobre tabla, 62 x 48 cm); la otra, también fechada hacia 1470, pintada por su condiscípulo Pietro di Cristoforo Vannucci, llamado el Perugino (óleo sobre tabla, 61 x 41 cm), atribuida en algún momento a Pollaiuolo por sus acentos flamencos.

Poner uno junto a otro los dos paneles permite comparar a dos alumnos formados en el mismo taller: en el de Botticelli, una restauración de 1995 reveló el acabado muy fino del velo, las joyas y los mechones de cabello de la Virgen; en el del Perugino, es el fondo de paisaje —y no el tradicional fondo de oro— lo que llama la atención, con un tratamiento de la atmósfera influido por la pintura flamenca, mientras que el modelado del rostro y la calidad del dibujo permiten confirmar la atribución.

3. Sala veneciana — La huida a Egipto (Botticelli) y la Virgen en un trono (Bellini)

La huida a Egipto (óleo sobre lienzo, 151 x 89 cm) está, según la ficha oficial del museo, fechada en 1510 y atribuida a Sandro Botticelli con la ayuda de un colaborador para la figura de san José —una fecha que corresponde al año de la muerte del pintor y que sitúa por tanto su ejecución al final mismo de su carrera, o incluso su terminación por el taller. La atribución misma se puso en duda durante mucho tiempo: se sospechaba de cierta torpeza en la composición y de un traspaso de la tabla al lienzo después de la muerte del artista, dos hipótesis hoy descartadas por el museo. El cuadro se distingue de las versiones más conocidas del tema (Tiziano, Carpaccio): aquí María se mantiene de pie con el Niño en brazos, mientras el asno pace a su lado, en lugar de llevarla a ella.

Cerca de allí, la Virgen con el Niño en un trono de Giovanni Bellini (panel de madera, 131 x 103 cm, hacia 1510) muestra a la Virgen sentada en un trono monumental, con una tela colgada detrás de ella, sobre una terraza al aire libre bordeada por una balaustrada y abierta a un paisaje. Nélie Jacquemart lo había comprado sin atribución; no fue hasta la década de 1930 cuando el cuadro fue reconocido como una obra de Bellini. Vale la pena detenerse en el juego de líneas: la vertical del trono y la horizontal de la tela forman una cruz que solo la silueta de la Virgen, envuelta en un largo manto oscuro, viene a suavizar.

4. Sala veneciana — Ecce Homo (Mantegna) y La embajada de Hipólita (Carpaccio)

El Ecce Homo de Andrea Mantegna (óleo sobre lienzo, 54 x 42 cm), fechado hacia 1500, es uno de los cuadros más inquietantes de la colección: Cristo aparece desnudo, de medio cuerpo, cubierto de marcas de látigo, con las muñecas atadas y una cuerda anudada al cuello —un tratamiento inhabitual para este tema. El encuadre cerrado sobre los rostros, tratados de forma casi caricaturesca para expresar la rabia de los verdugos, y la densidad casi escultórica de las figuras, hicieron dudar durante mucho tiempo de la atribución a Mantegna, hasta que exposiciones en el Louvre y el Metropolitan Museum la confirmaron.

En las antípodas, La embajada que Hipólita, reina de las amazonas, envía a Teseo, rey de Atenas, de Vittore Carpaccio (óleo sobre tabla, 102 x 145 cm, hacia 1495), es una de las pocas escenas profanas de la colección italiana. Inspirándose en la Teseida de Boccaccio, Carpaccio transforma un episodio mitológico en una escena de corte veneciana, con un Teseo representado como un anciano barbudo. El tema exacto de la escena no se identificó hasta mucho después de que los André compraran el cuadro, que habían adquirido como una obra autenticada de Carpaccio —un pintor del que muy pocos cuadros han atravesado los siglos.

Cuánto tiempo dedicarle

Las dos salas se visitan seguidas, en continuidad con la galería de esculturas. Calcule entre 22 y 28 minutos para las dos si se detiene en las obras presentadas aquí.

Sala florentina (Uccello, Botticelli, el Perugino) — 10 minutos.
Sala veneciana (Botticelli, Bellini, Mantegna, Carpaccio) — 15 minutos.

Fuentes y verificación

Este artículo se basa en las fichas oficiales del Museo Jacquemart-André, en el Institut de France y en fuentes cruzadas (INHA/Agorha, Wikipedia) para cada fecha y cada atribución.

La presentación de las obras y la apertura de las salas pueden cambiar. Compruébalo en la web del Museo Jacquemart-André el día de tu visita antes de seguir el recorrido.

Escucha el comentario en el museo

El recorrido te da un hilo conductor. Ante una obra, CulturAll añade el comentario de audio: fotografía el cuadro o su cartela, escucha y haz tus preguntas.